joven pescadero

El juicio final

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es probablemente la pintura preparatoria y de presentación al cliente del fresco realizado por Moretti Larese para la bóveda de la iglesia de Volpago del Montello (Treviso), dedicada a Santa María Magdalena. El Juicio Final describe el Cielo sobre las nubes, reunidos alrededor de Cristo sentado en el trono del juez. Al fondo se compone la imagen trinitaria, con Dios Padre en vuelo y la paloma del Espíritu Santo, entre los coros de ángeles y los ancianos del Apocalipsis. Cristo juez está flanqueado por su madre María, en el papel de intercesora, y por los cuatro evangelistas que tienen en sus manos los Evangelios de los que son autores y junto a los símbolos tradicionales. A los lados están alineados los santos del Antiguo Testamento (David con el arpa, Moisés con las tablas de la ley, Juan Bautista con la cruz procesional) y los apóstoles Pedro (con las llaves) y Pablo (con la espada de martirio). La terraza de abajo está ocupada por los otros apóstoles (Andrés con la cruz) y los santos. Las tres Virtudes de la Fe, la Esperanza y la Caridad, con sus símbolos, muestran al pueblo resucitado la cruz del sacrificio de Jesús. El ángel con chistera despierta a los muertos y les muestra al juez. El arcángel Miguel, con su espada de fuego y su balanza de doble plato, decide el destino individual de los resucitados. Abajo, los elegidos (incluidas las madres con sus hijos) ascienden al Cielo con la ayuda de los ángeles. Los condenados, en cambio, acaban en las llamas del infierno. La pintura presenta claras huellas del dibujo a lápiz subyacente y, respecto al fresco definitivo, algunas pequeñas diferencias en las posturas de algunas figuras y sobre todo en los colores no definitivos. Moretti Largese fue apreciado sobre todo como decorador de edificios públicos y privados, pero también realizó algunos frescos religiosos. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

Óleo sobre la mesa. El amplio paisaje campestre, con frondosos árboles y colinas, ve a una dama y unos caballeros enfrascados en una salida de caza, con perros acompañándolos en la carrera. El cuadro se presenta en un marco de madera, revestido en su frente con estuco dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. El cuadro representa la muerte de San José que, según los evangelios apócrifos, se produjo asistida por María y Jesús: el moribundo yace efectivamente en su lecho de agonía, sostenido afectuosamente por su putativo hijo Jesús y su esposa María, mientras varios ángeles asistir, ya sea a los pies de la cama, o desde arriba donde el cielo ya se abre para acoger el alma del santo. La de José es considerada la forma de muerte más deseable y pacífica, la de la vejez, en el lecho y rodeado de los seres queridos, por lo que el Santo es considerado el patrón de los moribundos y de la dulce muerte. Restaurada y revestida, la pintura se presenta con marco.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. El Santo está representado en el interior de su estudio, concentrado en leer y estudiar los textos sagrados, pero con ropaje penitencial, es decir, vestido únicamente con un paño rojo que envuelve su cuerpo desnudo. El cuadro, rebasado, presenta una importante grieta; Está colocado en un marco de madera dorada contemporáneo.

Óleo sobre la mesa. En el reverso hay una inscripción a lápiz con la fecha "29 de junio de 1931" y la firma Amos Campaioli. El gran paisaje campestre, con árboles frondosos y un estanque, ve en primer plano a una dama a caballo flanqueada por un hombre con sus perros. El cuadro se presenta en un marco de madera, revestido en su frente con estuco dorado.

paisaje con figuras

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la izquierda. Achille Vertunni nació y se formó artísticamente en Nápoles, pero luego se trasladó a Roma donde, en su madurez, su estudio de Via Margutta fue un punto de referencia para numerosos críticos y artistas italianos y extranjeros (D'Annunzio, De Sanctis, Franz Listz , por nombrar algunos) y era frecuentado por la nobleza y políticos de la época, figuras del Risorgimento y visitantes del "Grand Tour". Sus primeros temas se inspiraron en acontecimientos históricos, pero luego se dedicó al paisaje que, a partir de los años setenta, se convirtió en el tema casi exclusivo de sus pinturas. Son característicos sus atardeceres en la campiña romana y en las Marismas Pontinas, a veces animados por butteri y manadas de búfalos. Esta pintura muestra dos figuras con vestimentas tradicionales del Lacio, una pareja de agricultores descansando cerca de una pequeña capilla votiva a lo largo del camino; a la derecha se abre el paisaje costero a lo largo del Tíber, al final del cual se destaca el perfil de Roma, con la Cúpula de San Pedro y el Castillo de Sant'Angelo. Sobre todo, la atmósfera típicamente romántica de una puesta de sol, con su juego de suaves luces rosadas. El cuadro, rebasado, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVII. En el centro de la escena está Cristo, arrodillado en el agua del Jordán, con los brazos reunidos hacia el cuerpo en actitud introspectiva; junto a él, Juan Bautista vierte sobre su cabeza el agua del bautismo. A la izquierda asisten tres ángeles que sostienen el paño dispuesto a secar el cuerpo de Cristo, pero su mirada está dirigida hacia arriba, para contemplar la venida del Espíritu Santo. Un paisaje rico en vegetación constituye el telón de fondo de la escena. En el primer lienzo, el cuadro presenta algunas manchas en el reverso. La grieta está marcada y hay algunos agujeros muy pequeños. La pintura se presenta en un marco dorado del siglo XIX (falta).

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de principios del siglo XVII. La Virgen en el trono, coronada por dos ángeles, tiene en brazos al Niño Jesús, que ofrece a San Francisco el pobre cinturón anudado, símbolo de pobreza; Son testigos de la escena un santo obispo, San Juan Bautista y dos santas, Santa Clara a la izquierda y Santa Catalina de Alejandría a la derecha. El cuadro, todavía en el primer lienzo, tiene una grieta claramente visible con pequeñas gotas de color; sometido a restauración (hay parches antiguos en el reverso), fue fijado a un marco de madera no contemporáneo y montado en un marco florentino contemporáneo, de madera pintada de negro con adornos dorados.

Pintura al óleo sobre lienzo. Retrato de un joven caballero. Tiene varias gotas de color. Se presenta en un marco lacado contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. retrato de una mujer noble con un rico traje de noche y un manto de armiño sobre los hombros, indicativo de su alto linaje. Rebasado, el cuadro se presenta en un marco dorado antiguo.