Cuadro Santa Catalina de Alejandría

Óleo sobre lienzo. Escuela lombarda del siglo XVII. Primer lienzo y montado sobre bastidor original. Ambientada en una prisión, la escena presenta a San Ambrosio obispo que dirige hacia el cielo al personaje de su derecha, un soldado con la Cruz al cuello, identificable como San Víctor, soldado romano originario de Mauritania, que sirvió en Milán en el época de Maximiano y que fue martirizado por su fe cristiana. Fue el obispo milanés quien relató la vida y el martirio del santo en uno de sus escritos y difundió su culto. A la izquierda, otro probable mártir de la fe, que presencia la proclamación de la bienaventuranza de su compañero de celda; A su alrededor, numerosas figuras más de condenados. La pintura octogonal probablemente pertenece a una serie dedicada al culto del Santo Obispo de Milán. El lienzo requiere restauración y limpieza, presentando varias manchas y cortes (un desgarro en el centro, otros menores en los laterales).

Óleo sobre lienzo. María está representada aquí en actitud de recogimiento interior sufriente, con la mirada vuelta hacia abajo, la cabeza apoyada en la mano y la expresión triste; aunque está aureolada, en este cuadro prevalece la dimensión humana, la madre sufriente. Detrás de él un paisaje desierto y árido, acentuando la soledad y el sufrimiento. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

Óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), en lugar de Mario Nuzzi conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. En su estilo pictórico, el cuadro recuerda la producción de Angelo Caroselli (1585-1652), artista del barroco romano, pintor, copista, restaurador, pero también pasticheur y conocedor del arte, es decir, creador de pinturas "a la manera de " - en la “técnica” y en el “estilo” de un determinado período artístico o de un determinado autor, incluso ensamblando “partes” extraídas de diferentes cuadros. Inicialmente caravaggesco, Il Caroselli desarrolló más tarde su propio lenguaje artístico personal, que fue copiado por muchos artistas menores. En esta obra destaca la expresividad fija y casi exasperada del personaje, cuya elegancia del vestido del siglo XVII y los rasgos casi femeninos del rostro de tez sonrosada contrastan con la tosquedad de la cabeza de Goliat, ensangrentada, con la gran herida de arma blanca. que se destaca contra la palidez mortal. El cuadro ha sido restaurado y revestido conservando el marco de madera original. Se presenta en un marco de madera contemporáneo.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana de los siglos XVII-XVIII. Una gran composición de flores de colores, en jarrones de metal repujado, y algunas frutas esparcidas por el suelo, se colocan junto a una pared que domina un paisaje marítimo: la luminosidad del cielo y del mar a la derecha contrasta con la zona sombreada de la izquierda, sobre el que destacan los colores de las flores. El cuadro, repintado y restaurado, presenta una importante grieta. Se presenta en un marco contemporáneo lacado y dorado.

Pintura al óleo sobre lienzo. La escena se desarrolla cerca de un campamento militar: frente a una tienda de campaña, a la izquierda, un líder del ejército, probablemente griego, recibe ofrendas de un grupo de hombres, pobres y harapientos, que se postran ante el nuevo maestro; el primero extiende unas hogazas de pan, otro saca algo de un costal, el tercero muestra las heridas de su cuerpo para pedir misericordia; detrás de ellos se acercan otras figuras de mendigos, formando una línea dispersa en el camino que se pierde en la distancia a la derecha. Al fondo, a la izquierda, la vida en el campamento militar es muy animada. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia del siglo XVII. El gran cuadro presenta como tema un conocido tema del Antiguo Testamento, la riqueza del rey Salomón, contada en el Primer Libro de los Reyes: "El rey Salomón superó, por tanto, en riqueza y sabiduría a todos los reyes de la tierra. parte de la tierra para acercarse a Salomón para escuchar la sabiduría que Dios había puesto en su corazón. Todos le traían, cada año, ofrendas de objetos de plata y de oro, vestidos, armas, especias, caballos y mulas". En el cuadro el rey, ricamente ataviado con los símbolos de la realeza (la corona, el cetro, el manto de armiño), escucha de pie a los postulantes que acuden a él para recibir los consejos dictados por su proverbial sabiduría, y a cambio le traen ofrendas acordes con su papel social: algunos agricultores traen como obsequio sacos de grano, fruto de su trabajo en el campo, otros levantan una copa en alto para atraer la atención del rey. Los colores y el estilo pictórico del cuadro hacen referencia a la producción del norte de Italia, especialmente veneciana. La pintura ha sido restaurada y revestida.

Óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una escena tradicional de la deposición de Cristo de la Cruz, con el cuerpo inerte y pálido bajado en brazos de su madre María, a su vez abrazada y sostenida en su dolor por el discípulo Juan, y alrededor, compartiendo el duelo, dos mujeres piadosas y dos discípulos. La escena se caracteriza por una linealidad diagonalmente descendente, que sigue el cuerpo de Jesús, partiendo del poste de la Cruz levantado a la izquierda y terminando con la mujer agachada para abrazar los pies de Jesús a la derecha. A su alrededor, un fondo desnudo y gris, que subraya el dramatismo y el vacío que crea. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El paisaje, amplio y aireado, impregnado de una atmósfera "clásica" e intemporal, se inscribe en la corriente clasicista de las vistas ideales extraídas de la campiña romana, introducidas en Roma con gran éxito durante el siglo XVII siguiendo el ejemplo de Carracci, Domenico, Albani. y los franceses Poussin, Dughet, Lorrain, y continuó en el siglo siguiente con artistas como Andrea Locatelli. Este tipo de pinturas de paisajes pretendían exaltar los principios de belleza, razón, orden y medida propios del mundo clásico, para celebrar el valor de la historia, la confianza heredada de los antiguos en las virtudes del hombre y sus posibilidades. En la naturaleza de estos paisajes, que no está abandonada al caos, sino compuesta, ordenada, no perturbada por elementos violentos o desordenados, se sitúan figuras humanas vestidas a la antigua usanza como en este cuadro, en el que una pareja vestida con trajes clásicos túnicas conversa amablemente sentada (o mejor dicho, medio recostada casi como si estuvieran en un triclinio) en medio de un paisaje verde y sombreado, cerca de un río tranquilo; A lo lejos se vislumbran los edificios de una ciudad y la mirada se pierde en la continuidad ordenada y pacífica de las colinas del Lacio. La pintura, restaurada y revestida, se presenta en un marco de época.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela romana del siglo XVII. El gran escenario, de estilo flamenco, probablemente obra de un autor nórdico afincado en Roma, está ocupado por un gran conjunto arquitectónico, formado por restos de templos clásicos, deteriorados, inseguros e invadidos por la maleza, situados cerca de un lago. Entre los vestigios de una época ya muerta se encuentran numerosas figuras coloridas y animadas de personajes de la vida cotidiana contemporáneos a la producción del cuadro. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de listones.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del sur de Italia de los siglos XVII-XVIII. La escena, llena de personajes, tiene en el centro la figura de un líder, bien definida en los detalles de la armadura, la cimera, así como la anatomía: acompaña benevolentemente con el movimiento de sus brazos a un hombre arrodillado que Junto a su compañero, rinde homenaje a un emperador, pero señala con la mano extendida al grupo de seis niños, retenidos a la derecha por los soldados. El emperador se ha levantado del trono, a la izquierda, y va al encuentro de la pareja postrada, pero también él parece casi en una actitud de reverencia hacia el líder central. La escena parece hacer referencia a un episodio histórico de clemencia de un líder, que por su edad, rasgos y tipo de armadura, podría ser Alejandro Magno, personaje que, sin embargo, resulta difícil de igualar con la otra figura coronada de laurel. , que desciende del trono en el suntuoso palacio . Por tanto, no es posible identificar específicamente el episodio (¿histórico o legendario?) de referencia. Además, se aprecia la riqueza compositiva de la escena, con numerosas figuras bien detalladas y colores vivos que subrayan su dinamismo. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo.