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Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.
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Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.

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Ángel de la guarda pintado en una guirnalda de flores.

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. Según la tradición iconográfica, también en este cuadro el ángel de la guarda aparece representado como un joven alado que acompaña a un niño a lo largo de un tramo de camino, indicando al cielo como destino del viaje. Destaca y domina la escena la figura alada, vivaz en sus colores, poderosa en la fuerza física que emana, aunque dulce en su actitud delicadamente protectora hacia el niño, cuya pequeña figura está envuelta en los miembros de su tutor. La escena está encerrada dentro de una guirnalda de flores brillantes y coloridas, que dan color a las figuras, por lo demás situadas en un paisaje oscuro y casi monocromático. La representación de personajes, principalmente religiosos, encerrados en marcos florales tuvo un gran desarrollo especialmente en Roma, ligada a nombres como el de Giovanni Stanchi (1608 -1675), más que el de Mario Nuzzi, conocido como Mario de' Fiori (1603 -1673), y otros. . El cuadro, restaurado y revestido, se presenta enmarcado en listones.

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Cuadro Adoración de los pastores
ARARPI0240149
Cuadro Adoración de los pastores

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Cuadro Adoración de los pastores

Temple y óleo sobre tabla. Escuela veneciana-cretense de los siglos XVII-XVIII. El término Escuela Veneciano-Cretense (o Creto-veneciana) indica una importante escuela pictórica, también conocida como escuela posbizantina, movimiento que floreció en la isla de Creta bajo el control de la Serenísima de Venecia entre 1204 y 1669. Gracias Debido a la situación política, especialmente después de la caída de Constantinopla, Creta se convirtió en el principal centro artístico cristiano de origen griego desde el siglo XV al XVII. En este ambiente se desarrolló un particular estilo pictórico que estuvo marcado por tradiciones y movimientos de origen tanto bizantino como latino. En particular, dada la importante demanda de iconos bizantinos en Europa, la isla pronto se convirtió en un centro de producción de estas obras de arte. El estilo del icono bizantino se encuentra en esta obra, que propone un tema ampliamente repropuesto en el arte, a saber, la Adoración de los Pastores en el nacimiento de Jesús: las figuras de la Sagrada Familia y de los Pastores son fuertemente atribuibles a la tradición. Representación iconográfica bizantina, pero se sitúan en un paisaje más latino, que se abre de par en par, con una profundidad de perspectiva que remite a la pintura de paisaje europea del siglo XVII, sin el tradicional fondo dorado pero con elecciones cromáticas que aún recuerdan la divina luz dorada. en particular donde un ángel anunciando la Gloria de Dios mira desde el cielo abierto. El cuadro presenta un desprendimiento de la pintura en la parte central, correspondiente a una restauración anterior, que requiere una mayor recuperación. En la parte posterior del plato se encuentra un sello de lacre. El cuadro se presenta en un marco de madera antiguo.

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Pintura atribuible a Eugenio Moretti Larese
ARAROT0241192
Pintura atribuible a Eugenio Moretti Larese

El juicio final

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Pintura atribuible a Eugenio Moretti Larese

El juicio final

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es probablemente la pintura preparatoria y de presentación al cliente del fresco realizado por Moretti Larese para la bóveda de la iglesia de Volpago del Montello (Treviso), dedicada a Santa María Magdalena. El Juicio Final describe el Cielo sobre las nubes, reunidos alrededor de Cristo sentado en el trono del juez. Al fondo se compone la imagen trinitaria, con Dios Padre en vuelo y la paloma del Espíritu Santo, entre los coros de ángeles y los ancianos del Apocalipsis. Cristo juez está flanqueado por su madre María, en el papel de intercesora, y por los cuatro evangelistas que tienen en sus manos los Evangelios de los que son autores y junto a los símbolos tradicionales. A los lados están alineados los santos del Antiguo Testamento (David con el arpa, Moisés con las tablas de la ley, Juan Bautista con la cruz procesional) y los apóstoles Pedro (con las llaves) y Pablo (con la espada de martirio). La terraza de abajo está ocupada por los otros apóstoles (Andrés con la cruz) y los santos. Las tres Virtudes de la Fe, la Esperanza y la Caridad, con sus símbolos, muestran al pueblo resucitado la cruz del sacrificio de Jesús. El ángel con chistera despierta a los muertos y les muestra al juez. El arcángel Miguel, con su espada de fuego y su balanza de doble plato, decide el destino individual de los resucitados. Abajo, los elegidos (incluidas las madres con sus hijos) ascienden al Cielo con la ayuda de los ángeles. Los condenados, en cambio, acaban en las llamas del infierno. La pintura presenta claras huellas del dibujo a lápiz subyacente y, respecto al fresco definitivo, algunas pequeñas diferencias en las posturas de algunas figuras y sobre todo en los colores no definitivos. Moretti Largese fue apreciado sobre todo como decorador de edificios públicos y privados, pero también realizó algunos frescos religiosos. El cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Cuadro El Tránsito de San José
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Cuadro El Tránsito de San José

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Cuadro El Tránsito de San José

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela italiana del siglo XVIII. El cuadro representa la muerte de San José que, según los evangelios apócrifos, se produjo asistida por María y Jesús: el moribundo yace efectivamente en su lecho de agonía, sostenido afectuosamente por su putativo hijo Jesús y su esposa María, mientras varios ángeles asistir, ya sea a los pies de la cama, o desde arriba donde el cielo ya se abre para acoger el alma del santo. La de José es considerada la forma de muerte más deseable y pacífica, la de la vejez, en el lecho y rodeado de los seres queridos, por lo que el Santo es considerado el patrón de los moribundos y de la dulce muerte. Restaurada y revestida, la pintura se presenta con marco.

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Vidriera de plomo de finales del siglo XIX.
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Vidriera de plomo de finales del siglo XIX.

La incredulidad de Tomás

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Vidriera de plomo de finales del siglo XIX.

La incredulidad de Tomás

Vidrio emplomado, con vidrio policromado pintado a mano. Se representa la escena del Evangelio en la que Santo Tomás, después de haber dudado de su Resurrección anunciada por los demás discípulos, reconoce a Jesús que se le aparece y le pide que toque con la mano sus heridas en la Cruz. La obra presenta ligeras roturas y faltan unos cristales originales, que han sido sustituidos. Está montado en un marco reciente.

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Pintura La Deposición de Cristo
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Pintura La Deposición de Cristo

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Pintura La Deposición de Cristo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela napolitana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una escena tradicional de la deposición de Cristo de la Cruz, con el cuerpo inerte y pálido bajado en brazos de su madre María, a su vez abrazada y sostenida en su dolor por el discípulo Juan, y alrededor, compartiendo el duelo, dos mujeres piadosas y dos discípulos. La escena se caracteriza por una linealidad diagonalmente descendente, que sigue el cuerpo de Jesús, partiendo del poste de la Cruz levantado a la izquierda y terminando con la mujer agachada para abrazar los pies de Jesús a la derecha. A su alrededor, un fondo desnudo y gris, que subraya el dramatismo y el vacío que crea. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de principios del siglo XX.

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Dipinto con Madonna ed Angeli
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Dipinto con Madonna ed Angeli

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Dipinto con Madonna ed Angeli

Pintura al óleo sobre lienzo. La Virgen está representada en gloria, de pie en el cielo y rodeada de angelitos. La obra, todavía en el primer lienzo, fue aplicada sobre un bastidor moderno: este hecho, junto con lo incompleto de la figura de María, sugiere que la pintura formaba parte de un lienzo más grande. La pintura se presenta en un marco de época.

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Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.
SELECTED
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ARARPI0197090
Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.

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Pintura sobre el panel de la Anunciación, siglo XVI.

Óleo sobre la mesa. Escuela central italiana de la segunda mitad del siglo XVI. La escena sagrada de la Anunciación ve a las dos figuras protagonistas colocadas en primer plano en un interior que corresponde a la habitación de María. La joven está sentada frente a un pequeño escritorio de madera, sostenido por figuras de ángeles, sobre el que descansa el libro de oraciones y un pequeño jarrón con flores; a sus pies, el costurero. El cuerpo de María está parcialmente girado hacia atrás, en un movimiento retorcido, casi como si intentara escapar, como si quisiera alejarse de la otra figura, la del Arcángel Gabriel. Está de pie a la derecha, majestuoso y elegante, con una mano sosteniendo un lirio y la otra apuntando hacia arriba, sobre él, donde la paloma blanca, símbolo del Espíritu Santo, emerge de un hueco de luz. Al fondo, altas columnas con cortinas coronan la plataforma sobre la que descansa la cama de Mary. La composición remite, en el estilo figurativo y en las elecciones cromáticas, a la pintura ya manierista de las escuelas del centro de Italia: en particular, hay una fuerte concordancia de estilo y composición con algunas obras del mismo tema del pintor Bastiano Vini Detto. Bastiano Veronese (1525/1530 - 1602), que vivió y trabajó en Pistoia hacia 1540. Es en esta ciudad donde se encuentran algunas de sus Anunciaciones: en particular la de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie (un retablo de más de dos metros de altura), muestra claras similitudes a nivel formal y compositivo con la que aquí se presenta. . Hay concordancia en la ambientación de la escena sagrada: una habitación, al fondo de la cual hay una cortina que cubre parcialmente una cama, amueblada con los elementos esenciales para la narración, el atril y la silla ricamente decoradas con cariátides de querubines o ángeles. que parecen tallados en la madera. El esquema compositivo se corresponde, aunque con ligeras variaciones, con las dos figuras dispuestas "a modo de friso" en el mismo plano de colocación, y también se corresponden los rasgos somáticos de la Virgen y el Arcángel. Sin embargo, difiere el suelo, que si bien en nuestra mesa es homogéneo, en Pistoia se presenta con colores alternados en forma de damero, pero parece que este diseño del suelo se añadió en una época posterior, con motivo de la reconstrucción de el altar en 1637 -1639, junto con el de otra obra del mismo Sebastiano Vini en la misma iglesia, una Conversación Sagrada. Por tanto, parece bastante seguro que nuestro panel fue pintado siguiendo la obra de Bastiano Veronese, probablemente por petición expresa del cliente, y antes del cambio de suelo, por lo que se remonta a la segunda mitad del siglo XVI. La pintura ha sido restaurada, con la aplicación de dos refuerzos en la parte posterior del panel. Se presenta en una ambientación de finales del siglo XIX. (Referencia del retablo de Pistoia: Catálogo del patrimonio cultural https://catalogo.beniculturali.it/detail/HistoricOrArtisticProperty/0900035285)

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Cuadro Sagrada Familia con Santa Ana
ARARPI0224942
Cuadro Sagrada Familia con Santa Ana

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

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Cuadro Sagrada Familia con Santa Ana

Seguidor de Pedro Pablo Rubens

Pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro deriva de la obra de Rubens (1577 -1640) conservada en el Museo del Prado de Madrid, reproducida en grabado por Paulus Poncio (1603 -1658), como también aparece en esta versión. El centro vertical de la escena ocupa la figura de María, cuyo rostro se inspiró en el de Isabel Brandt, primera esposa del pintor flamenco, fallecida en 1626 con apenas 35 años. La Virgen sostiene en brazos al Niño Jesús, que la mira a los ojos con ternura pero con seriedad, mientras una manita se coloca sobre el pecho desnudo de su madre, del que acaba de recibir alimento; detrás, de pie, santa Ana envuelve los hombros de su hija y de su nieto en un abrazo tierno y protector, sonriendo con suficiencia: al lado izquierdo, un poco separado y en la oscuridad, José observa pensativo y preocupado: la única figura humana que no entra en la luz que emana del rostro del Niño, irradiada sobre el de María y, por reflexión, también sobre el de Santa Ana. respecto a la obra del maestro, se respeta la composición de las figuras, pero varios detalles varían, en particular en los vestidos de Santa Ana, de María, en los drapeados que rodean las caderas del Niño, para apoyar la hipótesis de que se trata de una obra de seguidor del maestro flamenco. La pintura, restaurada y revestida, se encuentra en buen estado, con sólo una raya en el color en la parte superior central.

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Cuadro con la Sagrada Familia en la mesa
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Cuadro con la Sagrada Familia en la mesa

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Cuadro con la Sagrada Familia en la mesa

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela central italiana del siglo XVII. La insólita y particular representación presenta a la izquierda las tres figuras de la Sagrada Familia, con Jesús ya niño, sentado a la mesa y bendiciendo la sencilla comida que están a punto de consumir (compuesta por fruta y pan); la escena, un tema poco representado y generalmente con un carácter más sagrado debido a la presencia de ángeles que sirven comida a la familia, tiene aquí en cambio un sabor de intimidad doméstica muy normal y sencilla. En cambio, todo lo que rodea a la Sagrada Familia destaca majestuosamente, la visión de una ciudad renacentista, con altos edificios con logias y columnatas, presentada según un hermoso efecto de perspectiva que conduce, abajo a la derecha, a los muros de entrada de una rica ciudad con torres, probablemente Jerusalén. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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Cromolitografía Virgen del Rosario
ARAROT0227759
Cromolitografía Virgen del Rosario

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Cromolitografía Virgen del Rosario

Cromolitografía sobre papel, enriquecida con aplicaciones de metal plateado que definen los halos de la Virgen y el Niño. La litografía ovalada también se encuentra en una vitrina exquisitamente enriquecida con inserciones de metal plateado y dorado, que definen otros marcos con decoraciones de motivos puramente florales. La representación presenta a la Virgen sosteniendo la corona del rosario en la mano y al Niño Jesús en brazos, flanqueada a los lados por dos santos de la orden dominicana. El otro marco con cristal está hecho de madera con tallas doradas.

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632,00£

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Pintura de Francesco Mazzucchi.
ARAROT0222548
Pintura de Francesco Mazzucchi.

virgen con el niño

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Pintura de Francesco Mazzucchi.

virgen con el niño

Óleo sobre madera prensada. Firmado abajo a la derecha. Francesco Mazzucchi, artista originario de la zona de Pavía y activo en Lombardía, se dedicó principalmente al arte sacro, dejando sus obras en algunas iglesias de la zona de Vigevano. Aquí se propone esta delicada y tierna representación de la Virgen con el Niño, en colores y escena, que ve a madre e hijo en un momento de intimidad doméstica, decididos a jugar con las palomas en el jardín. En el marco de.

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514,00£

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Pintura La Virgen de San Gerolamo
ARARPI0221741
Pintura La Virgen de San Gerolamo

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Pintura La Virgen de San Gerolamo

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela emiliana del siglo XVII-XVIII. Se trata de una copia antigua de la famosa pintura sobre tabla de Correggio, titulada La Virgen de San Girolamo o Il Giorno, que data de alrededor de 1528 y se conserva hoy en la Galería Nacional de Parma. El tema de la representación es la presentación por parte de San Jerónimo a Jesús de la traducción de la Biblia del hebreo al latín popular, obra realizada por el santo a petición del Papa Dámaso y que llevó a cabo encerrándose en soledad en la cueva de Belén. . En el cuadro, el protagonismo de la escena lo ocupa María sentada con el Niño Jesús en brazos, alrededor de ella se componen diversas figuras formando un semicírculo. A la izquierda está la poderosa figura del viejo Jerónimo de pie, mirando al Niño, con el rollo de traducción en la mano, con el león, su compañero ermitaño, agachado a sus pies. En el mismo lado, un ángel sostiene la Biblia mientras se dirige sonriente a la Virgen y al Niño. Del otro lado, Magdalena yace semireclinada, abrazando cariñosamente el pie del bebé, quien a su vez acaricia su cabello, en un gesto íntimo que subraya el intenso vínculo entre las dos figuras. Detrás de Magdalena, un angelito arruga la nariz olfateando el frasco de ungüentos del santo penitente. La escena se sitúa bajo una cortina roja, abierta a un gran paisaje. La pintura de Correggio tuvo un gran éxito, hasta el punto de que existen numerosas copias y réplicas antiguas, incluida ésta que se presenta aquí. La obra, restaurada y revestida, se presenta en un marco antiguo y contemporáneo.

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5.675,00£

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La huida a Egipto
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La huida a Egipto

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La huida a Egipto

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela de italiano. La escena repleta de figuras, propone a la Sagrada Familia en camino a Egipto, conducida por un Ángel y asistida desde arriba por otros angelitos. Insertadas en un paisaje clásico italiano, las figuras están representadas en una dimensión muy terrenal: el Niño, aunque con aureola, duerme plácidamente en los brazos de su Madre; María, que lleva el tocado de un peregrino inusual, cruza su mirada con su marido José, que mientras con un gesto de ternura (se coloca una mano en la rodilla) le es tranquilizador, mientras tanto ella habla con el ángel de quien ella se indica la calle . Revestida, la pintura tiene algunas pérdidas de color que necesitan restauración. Está en un marco adaptado, desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX.

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1.440,00£

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Cuadro El Sermón de San Juan Bautista
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Cuadro El Sermón de San Juan Bautista

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Cuadro El Sermón de San Juan Bautista

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela flamenca de los siglos XVII-XVIII. La gran escena se desarrolla en un vasto paisaje nórdico, dentro de un bosque lleno de plantas retorcidas, y a la derecha una ciudad coronada por picos rocosos. En el interior del bosque, un nutrido grupo de personajes, populares pero también de alto rango, todos vestidos con ropas orientales, que forman un círculo alrededor de Juan Bautista, retratado con su traje iconográfico tradicional (vestido con pieles, con el bastón coronado por la Cruz y envuelto en el rollo, un corderito a sus pies): la mirada de Juan se dirige hacia arriba, en línea con un pájaro que vuela sobre las copas de los árboles, representación simbólica del Espíritu Santo que inspira las palabras del predicador. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de finales del siglo XIX y principios del XX.

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6.770,00£

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Pintura de Giuseppe Gennaro.
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Pintura de Giuseppe Gennaro.

Virgen con el Niño 1891

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Pintura de Giuseppe Gennaro.

Virgen con el Niño 1891

Pintura al óleo sobre lienzo. Firmado y fechado abajo a la izquierda. El pintor de Vercelli Giuseppe Gennaro creó temas sagrados, así como retratos y escenas de género. Aquí se propone una Virgen con el Niño, en la que la posición de Jesús evoca la Cruz, que María ayuda a sostener. La obra se presenta en un marco dorado contemporáneo.

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661,00£

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Adoración del Niño Jesús
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Adoración del Niño Jesús

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Adoración del Niño Jesús

Pintura al óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Italia. La representación de la Natividad se ve aquí como un momento contemplativo del Santo Niño, por María y José, acompañados de angelitos. Los caminos pictóricos retoman los de modelos ampliamente replicados, partiendo de Correggio, de Barocci, para llegar a las numerosas versiones de Gherardo delle notte, o del pintor flamenco Gerard Von Honthorst, representante del tenebrismo, corriente pictórica que jugaba con fuertes contrastes de tinieblas. y la luz, la luz y la oscuridad. También en esta obra, la luz irradiada por el Niño Jesús ilumina las figuras que lo rodean y las hace emerger de la oscuridad circundante. La obra restaurada y revestida se presenta en un marco del siglo XIX.

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Madonna en Adoración del Niño Durmiente
ARARPI0211604
Madonna en Adoración del Niño Durmiente

Copia de Guido Reni

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Madonna en Adoración del Niño Durmiente

Copia de Guido Reni

Pintura al óleo sobre lienzo. La obra es una de las numerosas réplicas, con algunas variaciones, del famoso tema creado por el famoso pintor boloñés Guido Reni (1574 -1642) y su taller. La composición, que ve a la Virgen en oración inclinada a adorar al Niño dormido, se considera una invención de la genial vena de Reni, que, tras el gran éxito entre los coleccionistas de la época, fue retomada luego por otros autores del siglo XVII. , entre los que destaca el nombre de Giovan Battista Salvi conocido como "Il Sassoferrato". Las dos variantes más famosas de esta fascinante escena ven a la Virgen con las manos juntas en oración, adoptada por Salvi, o la de las manos sobre el pecho, como esta, típicamente de Reni. Otras variaciones se refieren a la posición de la cabeza del Niño Jesús dormido, vuelta hacia arriba como en esta versión, en lugar de reclinarse hacia un lado; finalmente las telas de fondo cambian. Sin embargo, la intensidad de la escena también se destaca en esta réplica: está ocupada transversalmente por el cuerpo abandonado en reposo del niño, donde la naturaleza divina se sujeta a la humana en el sueño; sobre ella, inclinado en gesto protector y al mismo tiempo contemplativo, el cuerpo de María, que expresa toda la ternura materna pero también, en el gesto de las manos, la adoración del misterio encarnado representado por el pequeño hijo. Los colores vivos de las telas -el almohadón sobre el que está reclinado Jesús, la cortina detrás de él, los vestidos de la Madre- resaltan la luminosidad de las tonalidades de la carne. Restaurado y revestido, el cuadro se presenta en un marco de finales del siglo XIX.

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4.168,00£

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Pintado con Piedad
ARARPI0207614
Pintado con Piedad

ARARPI0207614
Pintado con Piedad

Aceite sobre la mesa. La pintura reproduce pictóricamente la famosa escultura de Miguel Ángel, la Pietà de San Pietro o Pietà Vaticana. La composición de las figuras es bastante fiel a la obra de referencia, pero, además de estar pintadas en color, se sitúa en un escenario al aire libre que remite a la pintura renacentista, con el cerro del Calvario emergiendo en sombras a la izquierda. Un escudo de armas está pintado en la parte inferior izquierda, evocando un mecenazgo nobiliario. La obra se presenta en un marco de época. Tiene varias manchas y pequeñas gotas de color.

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Pintado con escena devocional
ARARPI0208925
Pintado con escena devocional

El milagro de Soriano

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Pintado con escena devocional

El milagro de Soriano

Pintura al óleo sobre lienzo. El lienzo relata el milagro de Soriano: en esta localidad de Calabria, la Virgen con María Magdalena (reconocible por el frasco de ungüento) y Catalina de Alejandría (portando la palma del martirio), se aparecería en 1530 a un joven dominico, para entregarle una imagen de San Domenico para que la colocara en el convento que construyó. Una bella versión del cuadro es la de Grechetto, de 1654-1655, conservada en Génova: la nuestra parece estar inspirada en esta obra, que vuelve a proponer la composición tensa de las figuras. Restaurada y revestida, la pintura se presenta en un marco de época.

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