Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIe-XVIIIe siècle. Une grande composition de fleurs colorées, dans des vases en métal repoussé, et quelques fruits éparpillés au sol, sont placés près d'un mur surplombant un paysage maritime : l'éclat du ciel et de la mer à droite contraste avec la zone ombrée à gauche, sur lequel ressortent les couleurs des fleurs. Le tableau, rentoilé et restauré, présente une fissure importante. Il est présenté dans un cadre contemporain laqué et doré.

Huile sur toile. Le tableau représente un portrait en pied d'un jeune homme déshabillé qui allume sa pipe en tirant du feu avec un bâton de la bougie placée devant lui sur la table où repose également une épée : il s'agit peut-être d'un jeune chevalier dans un moment de repos. C'est précisément la bougie, seule source de lumière de la scène, qui suggère que l'artiste s'est inspiré de la production de Georges De La Tour (1593-1652), peintre français de style caravagesque qui s'est fait connaître par ses scènes "nocturnes", caractérisées par des personnages, généralement de rang inférieur plutôt que des modèles historiques ou des personnalités de haut rang, éclairés par la lumière d'une bougie, ce qui crée une atmosphère particulière d'intimité. Le tableau, restauré et ré-encadré, est présenté dans un cadre élégant.

Huile sur panneau dur. Signé en bas à droite. Autre signature, date et titre au dos. Giovanni Balansino, piémontais d'origine mais lombard d'adoption, a choisi de représenter son amour pour les deux terres avec sa peinture faite de coups de pinceau larges et nerveux, leur consacrant une grande partie de sa production., que cet aperçu comprend d'une ville du Lombard plaine. Dans le cadre.

Peinture à l'huile sur toile. L'épisode biblique représenté fait référence à l'histoire de Daniel, le prophète de la cour du roi Darius le Mède qui, pour avoir prié son Dieu, fut condamné à être jeté dans la fosse aux lions. Mais Dieu a sauvé Daniel, en envoyant un ange pour fermer les mâchoires des bêtes, et le roi a pardonné à Daniel en condamnant à la place ceux qui l'avaient dénoncé. Le sujet a été représenté à plusieurs reprises dans l'art, pour la fascination liée à l'histoire mais aussi pour sa saveur exotique due à la présence de bêtes sauvages ; on se souvient en particulier de la version de Rubens de 1615, où le prophète est représenté, nu dans la fosse souterraine, tandis qu'il prie ardemment, entouré d'une foule de lions féroces. L'œuvre présentée ici propose plutôt une version centrée sur le dialogue entre le prophète et l'ange, qui se font face, se détachant par les couleurs vives de leurs robes sur le fond sombre d'une prison ; il n'y a qu'un seul lion, docilement accroupi aux pieds de l'ange, et donc la dimension spirituelle et salvatrice de l'événement biblique prévaut. Selon le célèbre historien de l'art Maurizio Marini, spécialiste de la peinture du Caravage et de l'art baroque, qui avait eu l'occasion de voir le tableau il y a des années, l'œuvre pourrait être attribuée à Antonio Maria Vassallo (1620 -1664) pour la composition et choix chromatiques. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté avec un cadre en listello.

Peinture à l'huile sur toile. École française du XVIIIe siècle. Le sujet mythologique de la déesse Diane au bain était largement répandu dans la peinture du XVIIIe siècle et, notamment dans la région flamande, également au siècle précédent. Il fut proposé sous différentes variantes, avec la déesse seule, ou accompagnée de nymphes, ou avec Actéon ; dans ce cas, la belle divinité, reconnaissable au carquois accroché à la branche de l'arbre et au chien de chasse qui l'accompagne. elle s'apprête à se baigner dans un plan d'eau tandis qu'un faune malicieux l'épie derrière elle. Le corps féminin légèrement vêtu occupe toute la scène, central et d'une blancheur qui se détache au milieu des ombres de la forêt feuillue, avec toutes les autres figures et éléments qui l'entourent. Le petit tableau a été restauré et rentoilé au début du XXe siècle.

Philosophe

Huile sur carton. Signé en bas à droite. Provenant d'une collection privée de Pavie. Le tableau propose un sujet repris à plusieurs reprises par Primo Carena, aussi bien avec des groupes de plusieurs personnages insérés dans un paysage, qu'avec une figure solitaire comme apparaît dans ce tableau, qui appartient à la production des années 1950. L'homme sur la plage, dans la pose assise, appuyé avec son coude sur un chapiteau de marbre, et dans le tissu reposant sur ses jambes, rappelle le personnage âgé assis dans une œuvre de De Chirico, le Salut des Argonautes, et sous-tend bien le référence à la métaphysique de la peinture que le peintre de Pavie a voulu exprimer dans ses peintures de figures des années 1950 et 1960. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole italienne du XVIIIème siècle. Dans le portrait de ce gentleman, la robe de chambre confectionnée dans un élégant tissu fleuri se détache particulièrement, dans des tons de rouge brique qui rappellent la couleur de la perruque. La sévérité de la pose et le regard austère du personnage contrastent presque avec l'élégance presque frivole de son habillement. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre du début des années 1900.

Peinture à l'huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Sous un ciel bleu, un grand paysage plutôt aride est représenté, à l'orée d'un bois s'ouvrant sur une vallée rocheuse, avec une rivière coulant entre les rochers et des sommets enneigés en arrière-plan ; au premier plan, dispersées, quelques figures de bergers avec leurs troupeaux. Sur le châssis au dos de l'ouvrage, un cartouche fait référence à Poussin, l'artiste représentant le classicisme du XVIIe siècle dont les méthodes picturales ont inspiré l'auteur du tableau. Le tableau, rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Avant le Dîner 1970

Huile sur isorel. Signature, date et titre en haut à droite. Udo Toniato, peintre naïf, est connu pour ses œuvres qui racontent l'histoire de sa patrie, la Bassa del Po, avec ses personnages. Il représente ici trois petits prêtres qui, armés de parapluies pour se protéger du soleil du Bassa, se dirigent vers la chapelle votive du chemin de campagne, observés par une chèvre amusée, pour les dernières prières de la journée. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Scène de la Vie Paysanne 1980

Huile sur verre. En bas à gauche figurent la signature et la date, accompagnées du symbole de l'artiste, la figurine stylisée d'un homme en fauteuil roulant. Il s'agit d'une œuvre sur verre du peintre Mario Previ, qui vit et peint en fauteuil roulant depuis l'âge de dix-huit ans, en raison d'une tétraplégie résultant d'une plongée dans son Taro. Il a dit de lui-même : « Le monde, le passage du temps, de ce point de vue (le fauteuil roulant) enseignent beaucoup de choses. On apprend à se réveiller chaque matin avec un but, même si son corps souffre, si chaque geste génère souffrir et dépendre des autres et abandonner pourrait être une solution facile. Et au contraire, l'art, la peinture, ainsi que la sérénité de mon monde, des amis, me donnent une énergie incroyable. Ils m'ont sauvé, me donnant la force de vivre. En 1974, trois ans après l'accident, inspiré par une émission télévisée sur les peintres naïfs yougoslaves, notamment par les œuvres sur verre de Mijo Kovacic, Previ commence à peindre et apprend l'art de la peinture sur verre en autodidacte, jusqu'à ce qu'il se faire connaître et apprécier pour ses peintures. Dans ses naïfs, Mario Previ raconte une réalité presque disparue, des histoires vraies quoique sur le ton d'un conte de fées, il fait revivre des traditions perdues, des tranches de vie qui ont appartenu à d'autres générations, celles de la civilisation paysanne (dont il est également issu), mais ce qui ressort le plus de ses visions sont les "forë", ceux qu'on pouvait autrefois entendre dans les "firossi", les soirées traditionnelles des hameaux de Parme dédiées aux rencontres pour raconter des anecdotes, des histoires et des curiosités historiques, souvent devant la cheminée. feu, alors qu'il faisait froid et qu'il neigeait dehors. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. Au dos figure un cartouche avec une attribution ancienne à Hubert Robert (1733 -1808), peintre français qui a voyagé en Italie et en a rapporté des vues variées et pittoresques, peuplées de ruines architecturales. Dans cette œuvre, la vue d'une campagne vallonnée a pour cadre un village avec des chaumières et une fontaine au centre, au milieu duquel se dressent cependant des ruines d'architecture classique : au centre, trois colonnes d'un temple, plus à gauche, les ruines d'un amphithéâtre. Plusieurs figurines populaires se promènent parmi les structures. Restauré et réencadré, le tableau est présenté dans un cadre.

Technique mixte sur toile. La grande scène, peinte dans la seule gamme de rouge-rose, voit deux grandes figures à droite, tandis que tout le côté gauche est occupé par un paysage désertique, les vagues des dunes disparaissant au loin. Les deux figures représentent un chevalier assis, coiffé d'un turban et d'une robe sarrasine, se faisant rafraîchir par une jeune fille en costume occidental, qui lui tend un plateau chargé de nourriture, tandis que sur la surface sous-jacente se trouvent une bassine d'eau, des épis de maïs et divers fruits. Il pourrait s'agir de l'une des nombreuses représentations de l'histoire d'Angélique et Medoro, racontée par l'Arioste dans Orlando Furioso, qui raconte l'amour entre la jeune chrétienne et le fantassin sarrasin blessé dans une bataille, qui s'enfuirent ensuite ensemble à Cathay, déchaînant ainsi La folie d'Orlando. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La scène allégorique présente une femme légèrement vêtue assise sur les genoux d'un homme, près d'une table dressée avec une cruche, un gobelet, une tabatière et un cigare allumé. Les deux personnages sont dans une attitude de complicité ludique, tous deux décidés à fumer une longue pipe. Le fond offre un paysage verdoyant. Les personnages et objets font référence aux plaisirs matériels et charnels de la vie, fumer, boire, compagnie féminine ; les personnages rosés et rebondis rappellent aussi le plaisir de la bonne chère. Ces sujets étaient récurrents dans la peinture flamande ou plus généralement nordique, qui les proposait de manière ironique et séduisante. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Angelots jouant aux cartes

Huile sur toile. Dans la scène, qui est situé dans un intérieur, mais d'une grande fenêtre qui encadre un paysage, trois angelots assis sur des bancs de jouer avec des cartes, en essayant de construire un château. Restauré.

Peintures sous verre, sur une surface de verre convexe. Les deux tableaux ovales offrent des paysages animés par des figurines de personnes avides d'activités diverses : dans l'un le décor est à la montagne, avec de petits chalets en contrebas au bord du ruisseau et sous des pitons rocheux ; dans l'autre au lieu de la nuit, une rivière placide coule près des rives boisées, illuminée par la pleine lune. Les tableaux sont présentés dans des cadres dorés contemporains, à restaurer pour cause de carences.

Huile sur toile. Ecole d'Europe centrale. Dans la scène se déroulant à l'intérieur d'une taverne, une bagarre est décrite entre deux hommes, qui sont détenus par les autres clients et par l'aubergiste ; sur la table, à côté du déjeuner interrompu, les cartes du jeu qui ont déclenché la querelle. Toute la scène est remplie de personnages, peints de manière brute et presque grotesque, avec des expressions et des poses très marquées, presque théâtrales, également soulignées par des couleurs vives. En raison de ces caractéristiques, la peinture se intègre bien dans la production de scènes de genre de dessin sur la vie populaire capturé dans ses moments les plus animés et caractéristiques, qui a été calculée à compter du dix - septième siècle en Europe centrale, en particulier aux Pays - Bas, pour les remplacer par des sujets plus légers étaient des peintures naturalistes et religieuses, et qui en Italie trouvèrent une expression particulière dans l'"école Bamboccianti", développée à Rome par des peintres flamands et italiens. Le tableau a été restauré et regarnisé. Il est présenté dans un cadre d'époque.

Scène de chasse

Huile sur toile. École nord-européenne du XVIIIe siècle. La grande scène, située dans un paysage nordique de végétation dense sous des sommets bleus imperméables, représente le point culminant d'une chasse au fauve : le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe. Le cavalier, qui occupe la partie supérieure de la scène, plante sa lance dans la proie terrifiée et agonisante ; tout autour, la meute de chiens participe, courant autour du cavalier et de la proie. Le chien du centre inférieur se distingue de tous les autres, le seul à avoir un pelage clair : la luminosité intense qui émane et fait ressortir le dessin précis de son pelage, les muscles en mouvement, l'expression exaltée de l'animal, en font le protagoniste de la scène, attirant le regard, tandis que toutes les autres figures, y compris le cavalier, deviennent le contour, précis et exact, mais pas le protagoniste. C'est précisément la précision dans la peinture des animaux qui rapproche cette œuvre de la production de Philip Peter Roos, dit Rosa da Tivoli. Originaire de Francfort, puis installé à Rome, où il est resté jusqu'à sa mort, cet artiste a été très actif surtout comme peintre d'animaux, représentés au premier plan sur des fonds paysagers et exécutés avec des couleurs riches et des effets de lumière intense. Le grand succès qu'il a connu et la très grande production qui en a découlé (parfois au détriment de la qualité des œuvres), justifient l'attribution fréquente à ce peintre d'œuvres dont le sujet et la technique picturale sont proches des siens, comme celle présentée ici, qui n'est cependant pas documentée et validée. Restauré et ré-encadré, le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Composition à 4 Panneaux, 1978

Technique mixte sur toile appliquée sur des panneaux de bois, représentant une séquence. En bas à droite, les initiales de l'artiste GB et la numérotation des panneaux ; au verso de chaque panneau, la signature complète, la date et les titres séquentiels suivants : "Par Bosch", "Déclinaison d'un hibou", "Transcription" et "Disparition pour coquetterie" : Bosch", "Déclinaison d'un hibou", "Transcription" et "Disparition pour coquetterie". Gabriella Benedini s'est définie comme une artiste "nomade à la recherche du sens profond des choses". Bien qu'attirée et intéressée d'abord par la peinture abstraite-informelle, puis par le réalisme existentiel et enfin par la nouvelle figuration, Gabriella Benedini poursuit une quête strictement personnelle qui ne peut être assimilée à aucun courant spécifique. L'ensemble des années 1970 est principalement marqué par des œuvres picturales qui reflètent des repères littéraires filtrés par son besoin d'épanouissement et de confrontation. Puis, grâce à sa passion pour l'alchimie, Benedini commence à transformer tout ce qui lui tombe sous la main en œuvres d'art ; coquillages, pages de vieux livres, bouteilles, tout est combiné en un ensemble harmonieux qui rappelle les espaces. Ses œuvres deviennent ainsi principalement tridimensionnelles, soit pour être accrochées au mur, soit pour devenir des sculptures, même de grande taille. Les quatre panneaux sont présentés ici dans un seul cadre.

Saint-Georges 1992

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, en cyrillique, il y a le titre, la date et le lieu à Bergame. L'artiste lituanien, qui vit et travaille actuellement entre Moscou, l'Italie et le Royaume-Uni, est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus importants. Dans sa grande production, il y a des paysages, des natures mortes, de nombreux portraits de personnes célèbres et ses compositions surréalistes, expression de sa "vision onirique" particulière de la réalité. Toujours dans ce tableau, bien que dans le style des icônes traditionnelles, la représentation du célèbre Saint-Georges est proposée dans une clé surréaliste qui fait référence à De Chirico, où une oie se substitue au dragon, la tête du saint est un œuf, en décrire là , ils sont les chiffres de magiciennes ..... une interprétation clairement peu orthodoxe! La planche a une fente verticale. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Huile sur toile. École lombarde du XVIIe siècle. Une jeune fille souriante est représentée dans une élégante robe noire, agrémentée de dentelle sur le décolleté et d'un jeu de dentelles et de rubans rouges et verts sur les manches, assortis au jupon brodé rouge ; elle porte ses bijoux autour du cou, des poignets, des oreilles, dans la coiffure de ses cheveux, où l\'austérité des perles est allégée par des rubans colorés ; elle tient un bouquet de fleurs dans sa main, ce qui souligne sa grâce et sa grâce. Restauré et rentoisé, sur la deuxième toile il est écrit, probablement une copie de l'original sur la première toile, qui indique qui est la jeune femme : " Margh.a D. Gridonia Gonz. Agnella - Soada Maffei - D'etta Anni XVIII », suivi d'un blason avec les initiales C FAS Cette écriture, en plus de définir le nom et l'âge, met en évidence l'appartenance de la jeune femme au Collège des Vierges de Jésus de Castiglione delle Stiviere, fondé en 1608 par la marquise Guidonia Gonzaga avec les deux sœurs Cinzia et Olimpia, toutes neveux de San Luigi Gonzaga. Ce collège avait pour but de donner une éducation aux jeunes nobles ou aux jeunes gens de bonnes familles, qui, avec la dot donnée au collège, contribuaient à la subsistance de celui-ci. Le portrait a des défauts mineurs. Il est présenté dans un cadre ancien, non contemporain, avec de petits défauts.